Tanti anni fa, proprio ragazzino, feci un tour con Lee Konitz, a cui in realtà come testa non ero preparato: ero giovanissimo, suonavo da poco. E per questo ero in crisi. E lui mi disse: "Non suonare come pensi che vorrei che tu suonassi: suona la cosa che ti viene!", che è una cosa banalissima, ma detta da uno con un carisma particolare e competenze pazzesche, fu molto importante: mi ha abbastanza segnato. Credo che in realtà a lui interessasse una relazione onesta: suoni con qualcuno, e allora vuoi che ti dia quello che lui sa fare. Anche se si tratta di un musicista che sulla carta magari non avresti scelto. Ma è proprio quest'aspetto che diventa interessante: l'incontro su di un piano comune, appunto quello dell'espressività e dell'essere sinceri rispetto alla musica.

È la sola cosa: di fatto la nostra musica è trasmissione orale. Dico spesso che il jazz è una forma dialettale, per cui anche scriverla è problematico. Allora proprio l'ascoltare gli altri, "rubare" il più possibile agli altri, resta la cosa essenziale. Mi riferisco in generale alla "funzione dello strumento", nel senso che il contrabbasso classico è proprio un altro strumento: non è pizzicato, svolge un altro compito, per non parlare del basso elettrico, che ha un'autonomia ancora più forte. Però le funzioni sono le stesse, quindi si può ascoltare musica etnica, di un'altra cultura, ma di fatto il basso ha quel dato ruolo, in un certo senso è il "rapporto con la terra", e su di esso gli altri strumenti possono a loro volta prendere il loro volo. Ovunque, il basso crea le condizioni affinché sopra possa adagiarvisi il resto, è una struttura portante.

Ascolto di tutto. Sì, ci sono i periodi in cui vengono le "cotte", ci si innamora di una certa cosa, pure non jazz, ma in generale bisognerebbe avere il coraggio di sentire quello che succede o che è successo, avere disponibilità all'ascolto. Per i musicisti è difficile ascoltare liberamente, perché spesso lo si fa con una serie di presupposti, di competenze, si presta attenzione a quanto dura un chorus, se il solista è bravo, come è un certo accordo. Se si ascoltasse l'emozione della musica, sarebbe più semplice: è una conquista che spesso si perde.

Insalata mista: da Bill Evans Trio del periodo 1959-1962, a Brahms, Beatles, Chico Buarque e la musica brasiliana in generale, di cui mi sono totalmente innamorato in questi ultimi anni.

Da un lato tutto. Dall'altro, però, alcune cose si devono ascoltare, perché uno strumento vive di storia e se non si è avuto alcun rapporto con la tradizione occorre farselo, occorre aver sentito certe cose nel momento giusto. Contemporaneamente, suggerisco di trovarsi prima possibile un modello: non c'è nulla di male a copiare qualcuno, specie se questi ha risolto certi problemi prima di noi. Di fatto non suoneremo mai come lui, però potrebbe servirci per avere una linea da seguire: quindi trovare uno che ci piaccia particolarmente, che suoni in maniera compatibile con la nostra natura e ci aiuti a tirare fuori quello che siamo.

Parlando di jazz non si può prescindere dalla conoscenza della storia di questa musica attraverso l'ascolto dei suoi principali interpreti. Inoltre, in quanto musicisti e quindi artisti, ai miei studenti suggerisco di ascoltare altri generi come la musica contemporanea o la classica, ma anche di interessarsi alla letteratura, all'arte, al teatro ed in generale a tutto quello che può nutrire il loro spirito ed essere quindi fonte di ispirazione per la loro musica. Alla ricerca della Bellezza.

Tutti i maestri di ogni stile e genere di musica.

Non c'è, o meglio sono tutte. Se suono in trio con un sassofono, cosa che a me piace molto, ho una condizione di grande aria, perché ci si deve occupare di funzionare armonicamente e quindi sono io che determino i movimenti degli accordi. In trio con un pianoforte, invece, secondo la concezione moderna il contrabbasso contrappunta il lavoro del solista, e quindi realizza un'altra funzione ancora. Nei grandi organici, il contrabbasso è sacrificato, però di fatto si ha il piacere fisico di portare il tempo, per esempio un obbligato fisso per venti minuti: però questo determina tutto il resto. In genere, la formazione medio-piccola è quella in cui ci si può esprimere di più, però talvolta si avverte il bisogno di lasciarsi trasportare nel mare del grande organico. Il piccolo gruppo lavora sulla personalità del contrabbassista in termini di dipendenza. Quando poi si riesce ad essere presenti a sé stessi anche in organici molto grandi, e vi si lascia il segno, questo procura una gran soddisfazione.

Da quando suono in duo con Petra [Magoni, n.d.r.] sicuramente il duo…ma con Petra! Magari con un altro musicista o cantante non avrei la stessa intesa. In generale ho comunque sempre amato i piccoli organici, i trio, i quartetti... Mi piacciono lo spazio e i silenzi nella musica, e se suoni in un ottetto gli spazi si riducono.

Da qualche anno preferisco decisamente le formazioni più ridotte e cameristiche come il duo o il trio, perché lasciano maggiore libertà creativa e di interazione tra i musicisti e permettono di far emergere le qualità solistiche. Mi piace molto anche la dimensione del quartetto e quintetto per l'impatto, l'energia e la differente organizzazione della musica che richiedono.

Non ha granché importanza, solo preferisco non suonare nelle big bands.

A parte figure come Mingus, o altre precedenti come John Kirby, ottimo bassista leader degli anni '30… Il punto è che il contrabbasso non canta le melodie, per cui anche quando si prova con un gruppo proprio, il lavoro per il bassista è quello di imparare i pezzi da capo. Però, se suoni il contrabbasso sarà perché non ti andava di suonare la tromba e quindi forse non volevi neppure fare il leader. Anche lo strumento determina il piacere di svolgere un ruolo piuttosto che un altro, è come una linea parallela: bassisti capiscuola ce ne son stati sì, ma nel contrabbasso non c'è mai stato un Coltrane, un Miles, e neanche un Bill Evans. C'era Scott La Faro, braccio destro di Evans, ma non era lui a condurre il gruppo. Di fatto oggi c'è una sorta di "democrazia musicale".

Sicuramente. Credo anche grazie al fatto che fino a 50 anni fa suonare un contrabbasso fosse un'impresa, dato che le corde erano altissime, gli strumenti scomodi. Oggi abbiamo sicuramente degli strumenti più agili da suonare e credo che sia uno dei motivi per cui i contrabbassisti sono più leader e in prima linea rispetto al passato, oltre ad essere più "musicisti" completi sotto il punto di vista armonico e melodico in generale.

Direi che questa evoluzione è iniziata da Jimmy Blanton nel 1940, con i famosi duetti registrati insieme a Duke Ellington, ed è proseguita grazie all'apporto di contrabbassisti quali Scott Lafaro, Paul Chambers, Red Mitchell, Charles Mingus, Eddie Gomez, Gary Peacock, Dave Holland, Miroslav Vitous, Marc Johnson e molti altri. Già nella stagione del free e negli anni '70 erano molti i bassisti che si cimentavano in assolo e duetti dal vivo e su disco. Mi sembra perciò che le potenzialità solistiche e paritetiche del contrabbasso siano una realtà consolidata ed esplorata oramai da diversi anni, nel panorama jazzistico e in quello della musica colta.

Il basso continua a fare grandi passi ed i bassisti sono più avventurosi in certi percorsi. Ad ogni modo, talvolta la musicalità viene sacrificata quando i giovani musicisti si preoccupano troppo della tecnica e di giochini per stupire.